在这些渐变色里，完成一场冥想 | 发现小众艺术家

作者：Morning Rocks

首先，要提到一位名声显赫的艺术家。

在乔布斯生前的最后几年里，他反复思考「Apple 新总部大楼的墙上，应该挂什么东西才能最大化激发员工的灵感」。

而得到他认可那位艺术家，就是 Mark Rothko。

欣赏 Rothko 的作品，会让人感觉仿佛置身于他所营造的精神空间里，而不是身处陈列其作品的现实空间。

对画家自己而言，绘画是表达其精神、信仰和生存意义的工具。

「绘画，一定要象奇迹一样。」

他一直对作品的展示方式有着苛刻的要求，希望要挂得够高，配合昏暗的光线，以达到一种沉浸体验甚至冥想的氛围。

在 Mark Rothko 成熟期的绘画作品中，经常可以见到两三个色彩明亮、边缘柔和、微微发光的矩形色块，它们毫无重量感地排列在一起，如同一种自由的思想漂浮于画布上空。

艺术家力图通过有限的色彩和极少的形状来反映深刻的象征意义。

简练、单纯，但却如磁石般将人深深吸引。

Mark Rothko 在绘画中注入了强烈的精神成分， 这些画作以一种让人萦绕心头而不能忘怀的朴素闻名。

如此简单的色彩作品也能打动人吗？

已故的 Barnett Newman 就曾创造了一个这样惊人的记录：

接下来要说到的另外两位小众艺术家，也在做类似这样纯粹的创作。

他们的作品里，只有颜色。

出生于 1965 年的摄影师 Stefan Heyne，已经不是年轻人了。

可能是岁月和对于美感的精炼，让他现在的作品完全忽略具体元素，不使用任何可识别的物质存在，而是选择了最为抽象的照片。

纯粹的，模糊的光影。

《NAKED LIGHT》

艺术评论家称，这是 Stefan Heyne 的作品最为激进的时期。

他称呼这些颜色为「Naked light」，意为裸光，或明火。从这些摄影作品中你感受不到刻意为之的镜头虚化，或人为模糊，而是对无穷空间的眺望。

他举办过无数场展览，下图的这一场名字我最喜欢，是一句拷问：Who is afraid of photography?

是谁在害怕这些照片呢？

颜色有的时候，确实好像会吃人。

这位艺术家叫 Jonny Niesche，很难找到他对于作品的自我宣传，亦从不阐述创作理念。

只是安静地把作品放在画廊展出，一个个城市延展，然后像一名旁观者一样观察看展人在自己的作品面前驻足，沉思。

Jonny Niesche 把颜色绘制在薄纱上，使用特殊的晕染技术，再跟特殊选制的玻璃结合，让表面的光泽更加柔和，突显颜色。

放松心情，不用刻意从艺术作品里寻找什么伟大而深刻的含义，仅仅是体会那些颜色，以及观察此时自己的内心世界。

这些渐变色，好像会把人吸收进去一样。

为什么会有艺术家热衷于如此纯粹抽象的色彩表达？

Mark Rothko 是这么解释的：

我只感兴趣于如何表现人类最基本的情感，悲剧、狂喜或毁灭的等等。

一些人在我的画前大哭，说明我的确成功地表达出了这种感情。这些落泪的人感受到与我作画时相同的宗教体验。

而若你只是被画面上的色彩与光影感动，那么你并没有没有抓住这艺术的核心。